16 dic 2010
SOY UN ASESINO
“—Hemos perdido a Dios — sentenció el sacerdote.
—Lo que más me angustia es que últimamente tengo ideas raras, imágenes que me atormentan, que me persiguen a todas partes.
—¿Ideas como de qué?
—De crímenes, de asesinatos, padre.
—¿Cómo? —dijo él abriendo los ojos y arrugando la frente.
—Veo cadáveres, cuerpos sangrando, víctimas suplicando, quejándose y arrastrándose por el piso.
—¿Y qué sientes cuando tienes esas visiones?
—Ganas de rematarlos, padre, porque yo soy el asesino, yo soy el que los hiere y los extermina”.
14 dic 2010
Yo Estoy Muerto... No Es Un Aviso
Kike Kruel, fue sin lugar a dudas, uno de los nombres cruciales para entender la peste del punk en España… sabía como darle a sus canciones un toque distintivo, basado en un poderoso y anfetamínico sonido y en una actitud a prueba de bombas…
Los escritos de kruel tuvieron rabia en todas sus frases, añadiendo letras nihilistas, sobre: guerra, destrucción, miedo, muerte, control, No Future. y en un alarde de cínica critica a Estados Unidos, sobre Superman.
Influencia.
Las diversas influencias que tiene “Espasmodicos” comienzan principalmente con los Dead Kennedys, Buzzcocks, y Sex Pistols, se funden y entremezclan en aceleradas guitarras y un Kike Kruel que escupe muerte y la violencia. Pero siempre certeras y casi nunca gratuitas. Precisos relatos de una realidad decadente como no los ha compuesto jamás ningún otro letrista punk en castellano.
Tres años de función…
En solo tres años de vida, consiguieron dos actuaciones en la TVE, para el programa “La Caja De Ritmos” poco antes de la separación del grupo, impresionantemente, ya que su único legado han sido diez canciones. Pero estás diez canciones marcarán un antes y un después en el punk.
Se Fue.
Kike Kruel nos abandonó, un jueves 13 de noviembre de 2003.
¡!¡!¡Tía, vete a cagar!¡!¡
¡Más allá del cementerio por los siglos de los siglos amen!
13 dic 2010
Taxi Driver - 1976
“Taxi Driver” es un retrato perfecto de una época en los Estados Unidos, de un sentimiento y de una ciudad que es una verdadera jungla de cemento. La película es casi un tratado sobre la violencia humana, sobre la degradación del hombre y de la sociedad, en medio de un mundo desenfrenado, esquizofrénico y muy apegado a las teorías de Darwin.
El elemento que nos va insertando en ese universo oscuro y peligroso, no es otra que el ya mundialmente famoso personaje de Travis Biclke, interpretado por el genial Robert De Niro, en una de sus actuaciones más espectaculares. La introspección que en esa película se alcanza a tener de Travis Bickle, es tan inmensa, que fácilmente podría decirse que es el mejor estudio de un personaje que se haya llevado al cine.
Travis es un solitario en la ciudad de New York (un cambio que Scorsese hizo del guión dado que los taxis en los setentas eran mucho más importantes en la ciudad natal del director) que observa detenidamente la prostitución, violencia, suciedad, locura, el machismo y la decadencia del mundo occidental, mientras va recorriendo las calles de la ciudad en su taxi. El personaje dedica su vida a manejar el auto como una manera de pasar el insomnio, y a ver películas porno, lo que terminara en una crítica situación.
La genialidad de este film radica en la manera como el director y el actor nos van mostrando la transformación de Travis en un ser regular, que se va deteriorando psicológica y mentalmente de manera muy gradual, hasta llegar a explotar en una aura de odio por todo lo que lo rodea. No obstante lo anterior, es de recalcar que la razón que llevó a Travis a transformarse en un ser violento y en contra de la humanidad fue el hecho de haber sufrido una tremenda decepción amorosa.
Para el taxista, conocer a Betsy (Cybill Sepherd) fue conocer a un hermoso ser humano que no hace parte del mundo que lo rodea. Tal y como él mismo lo dice, ella es un ángel que flota por encima de todos los demás, siendo imposible que las masas la ensucien o corrompan. En un momento determinado, Travis se acerca a hablarle a Betsy, quien se siente muy atraída por él, por lo que decide aceptar su invitación a salir. No obstante, Travis decide llevarla a ver una película pornográfica, por lo que ella decide abandonarlo para siempre. Ese hecho es el detonante último en la transformación de Travis en un sociópata.
Decía el mismo escritor de la película, que lo que pensaba era que la razón por la que el personaje de De Niro llevó a Betsy al teatro porno, es porque sencillamente quería arruinar la relación. En la construcción del personaje que hizo el escritor, Travis es una persona que está determinado por sí mismo a fracasar, y que como consecuencia de eso tiene un comportamiento absolutamente contradictorio. Hace ejercicio pero se alimenta mal, toma medicamentos pero no se cuida, detesta la ciudad en la que vive pero trabaja de taxista; y es por eso que logra salir con Betsy pero arruina su cita.
Todo lo anterior es la creación que uno de los más grandes actores de todos los tiempos, hizo de uno de los personajes más maravillosos jamás creado para el cine. Adicionalmente, es de recalcar que otro de los personajes más importantes para la
historia es la misma ciudad en donde todo transcurre. La Nueva York de “Taxi Driver” es absolutamente única, una perfecta representación de lo que el ser humano puede llegar a hacer y en lo que nos hemos convertido como organización social.
La oscuridad de la película convierten a la ciudad en un maravilloso universo noir y gótico, que sirve como perfecto escenario para desarrollar todas las crudas historias que a su interior suceden. Uno de los hechos más importantes es lo que acontece con Iris (Jodie Foster), prostituta infantil que trabaja para Sport (Harvay Kaitel), en un deprimido sector de la ciudad. Travis encuentra en ella la perfecta oportunidad para hacer algo en pro de mejorar el mundo, y de alguna manera contribuir.
Con esto, Scorsese logra presentar la importancia de la redención del ser humano como última esperanza que nos queda. La misión suicidad que el personaje toma al final de la historia, en su psiquis, lo que busca es acabar con la suciedad, la porquería y la miseria del mundo en el que vivimos. Para él salvar a Iris es sinónimo de salvarse a sí mismo y al entorno que los rodea.
“Taxi Driver” es la maduración del estilo Scorsese. El ambicioso manejo de cámara, la profundidad de los personajes, la música que adorna la historia y sobre todo, el espectacular trabajo en la edición. La película fue un éxito de taquilla y de la crítica, siendo nominada a 4 premios de la academia y ganándose la Palma de Oro en el Festival de Cannes. No obstante, más importante aún es la inmensa huella que dejo en el cine mundial, logrando convertirse en una obra de cine indispensable en la historia del séptimo arte.
“¿Me hablas a mí?” - Travis Bickle
"Escuchen imbéciles de mierda, aquí hay un hombre que va a cortar por lo sano, un hombre que va a hacer frente a la chusma, a la prostitución, a las drogas, a la podredumbre, a la basura. Un hombre que acabará con todo eso”.
"Algún día vendrá alguien que limpie toda esta escoria de las calles"
"Ahora me doy cuenta que es igual a todas las demás. Fria y Distante. Hay mucha gente así. Las mujeres desde luego. Son como un sindicato."
Nota: Refiriéndose inicalmente a Betsy
...boom!
Taxi Driver [1999] / DVDRip
"Soy El Hombre Solitario de Dios". [Travis Bickle / Robert De Niro]
>Link
http://www.megaupload.com/?d=17W0ARV5
11 dic 2010
Trainspotting
Hay películas que no dejan la más mínima marca. Otras te divierten durante un par de horas y luego las olvidas. Nada de marcas. Las hay que, durante algunos días, consiguen que te plantees aspectos que, definitivamente, no quieres o no puedes modificar. Tampoco dejan nada más allá de pequeños rasguños. Pero también las hay que funcionan como bombas de relojería que explotan cuando te sientas a observar, que vuelven a estallar en cuanto te descuidas, que se quedan instaladas en cualquier lugar innacesible de la consciencia para quedarse por siempre jamás.
Hubo un tiempo en que creí que lo terrible de la vida estaba aislado de la zona más divertida; que la decencia se encontraba a un millón de kilómetros del territorio más sucio de la vida. Todo ocupaba un lugar aislado y exclusivo. Hubo un tiempo en que nos enseñaban un mundo pulcro y azucarado que nos creíamos de cabo a rabo. Pero hubo un tiempo en el que millones de muros se derribaron casi al mismo tiempo. Muros que no dejaban ver el mundo.
Y pasaron los años. Y llegó Trainspotting.
Aunque ya era una evidencia que el mundo era otra cosa; aunque las cosas se habían colocado en su sitio; fue el día que apareció una realidad pensada por muchos, pero que nadie había convertido en real con esa fuerza y con ese descaro. Si no me equivoco fue en 1996 (es igual) cuando Danny Boyle se plantó con su película dejándose de idioteces y pintando las cosas del color justo.
Ya sé que se habían estrenado cientos de películas durante los veinte años anteriores que intentaban hacer lo mismo, que Kubrick había rodado La Naranja Mecánica para desmontar este garito que llamamos mundo y que, cómo él, lo habían intentado muchos. Pero Trainspotting fue otra cosa. Todo era la misma cosa. Incluso las cosas eran lo contrario a lo que uno tenía grabado a fuego en el pensamiento.
Mark Renton (Ewan McGregor) corre camino de su destrucción. Sus amigos le acompañan. Se drogan, roban, no dan un palo al agua, desean que el mundo no pueda con ellos. Se divierten con cada paso que dan hacia el abismo.Vemos casas asquerosas, gente asquerosa, mucha droga (las escenas que enseñan el momento de meterse heroína son escalofriantes), mucha mierda y, de paso, mucho gilipollas. Usted y yo somos los gilipollas. Todo lo que representa la decencia, el trabajo duro, la familia unida y lo divertido es ser como Renton y sus colegas. El mundo es una mierda, así que yo lo pisoteo.
Renton logra desengancharse de la heroína, acceder a un puesto de trabajo y ganar un sueldo. Los amigos le buscan para que él sea su soporte financiero en el trapicheo con caballo. Y Renton, ya disfrazado de persona normal y decente, se la juega a todos. Es decir, logró ser fiel a sí mismo mientras era lo que llamamos un tirado.
Es curioso que ahora esa parte del mundo que el director pintaba como la parte gilipollas esté llena de droga, de capullos, de mala gente y de egoístas traidores. Al final, eran la misma cosa. Qué razón tenía.
La película es sensacional. La trama es trepidante, los actores están muy bien en sus papeles (sin excepción), el ingenio y la ironía (también el sarcasmo) inundan cada secuencia, McGregor destaca en su interpretación (mucho mejor que haciendo de Jedi), la estética es exáctamente la necesaria. En fin, es una maravilla. Se sufre de lo lindo con ella, pero, al mismo tiempo, las risas están garantizadas. Y es que, al final, todo es la misma cosa. Depende de lo que queramos hacer o ver, cambia. Reír, llorar, sufrir. Eso depende de cada cual ante lo mismo. Qué peliculón.
La naranja mecánica
El ser humano es como es. Nada ni nadie ha logrado que cambie. Ha podido evolucionar aunque la esencia, su condición, sigue intacta. Es verdad que entre individuos existen diferencias, matices. El entorno, el aprendizaje o lo que sea (eso lo saben los profesionales muy bien y yo no) terminan por diferenciarnos. Todos humanos, todos distintos. La condición humana no se altera. Quiero decir con esto que todos podríamos llegar a un mismo lugar dándose las mismas condiciones. Ya sé que esto no es muy científico aunque lo creo.
Un poco de la vieja ultraviolencia ...
Ahora pensemos en esta situación: una banda de criminales aterroriza a la población. El peligro crece al mismo tiempo que su violencia. Bien. Nos proponen que (utilizando una técnica novedosa) eliminemos los instintos agresivos en los miembros del grupo. Nunca más podrán ejercer la violencia. Habrá desaparecido por completo de sus vidas, no será una alternativa en su día a día. Queda bonito ¿no? El grupo respira sin entender que lo que se limita es la posibilidad entre lo que es bueno y malo, entre lo que un individuo valora de un modo u otro. Imaginemos que la sociedad (la nuestra, no la de una película) acepta algo así. ¿Alguien diría en voz alta que este mundo es maravilloso y magnífico y justo y sano? ¿Quién decide lo que es bondad o maldad? ¿La violencia en un campo de batalla es mejor que la que ejercen grupos ultraviolentos? ¿Acaso no se producen miles de violaciones durante los conflictos bélicos? Además, no poder elegir la violencia como alternativa podría ser causa de abuso por parte de los que quedan enteros. Una antigua víctima de ese grupo podría vengarse de ellos (eso forma parte de la condición humana, no gusta oírlo, pero somos vengativos). En fin, da para escribir un tomo. En cualquier caso, quería exponer buena parte de la tesis que se presenta en La Naranja Mecánica de Stanley Kubrick, quería preguntarme -mientras escribía- hasta dónde se puede llegar.
El guión de la película está basado en la novela de Anthony Burgees. Ciencia ficción, jerga callejera inventada y calidad literaria muy importante.
Narra la historia de Alex (Malcolm McDowell). El muchacho es una alhaja que disfruta con la violencia, con las violaciones y con no dar un palo al agua nunca. Él es el narrador y la acción se focaliza casi por completo en ese personaje. Después de llegar al asesinato es encarcelado. Dos años después, pide ser incluido en un programa de regeneración que le convertirá en un individuo sin capacidad para mostrarse violento ante cualquier situación. Su reinserción en la sociedad es un desastre. Sus padres no le reconocen como hijo, sus víctimas aprovechan para pasar facturas, los que fueron sus amigos le ven como el peligro que fue y le tratan como tal (ahora policías puesto que el gobierno entiende que la violencia se contrarresta con más violencia y contrata a lo peor de lo peor para que acabe con lo peor de lo peor). En fin, un desastre absoluto. Sólo cuando recupera su condición anterior logra integrarse en una sociedad lamentable y patética.
Kubrick trabaja con conceptos especialmente delicados en esta película. La violencia ante el libre albedrío ¿Hasta dónde se puede llegar? ¿Qué puede permitirse, qué no, quién debe hacerlo? ¿Es violento atentar contra la humanidad de las personas aunque sea el Estado el que lo haga? Al espectador le sitúa ante esa doble moral que lo gobierna todo ¿Es la venganza justa, podemos llegar a entender un asesinato por esa razón? ¿No es eso un tipo de violencia que se debería erradicar con otro plan de reinserción? ¿Sin violencia podría el ser humano serlo? ¿Qué mueve el mundo, quién manda aquí? ¿Hasta dónde llega el amor de los padres?
Kubrick muestra lo peor del ser humano apoyándose en escenas de violencia explícita o, por el contrario, dibujando la cara más perversa de esos que no muestran violencia alguna aunque son capaces de conseguir lo que se proponen por otras vías (poder, tranquilidad, dinero…). Enseña, de forma magistral, una sociedad que parece apoyarse en el amor y la caridad, en un amor falso y meloso que hace mala cualquier otra opción. Por ejemplo, el sexo sin estar envuelto de amor caramelizado es algo horrible en esa sociedad. Todo es mentira, todo es una fachada que quieren ocupar unos y otros.
"Videa bien, hermanito... Videa bien...
Alex, el protagonista, sienta una enorme debilidad por la música de Beethoven. Todo lo que hace se tiñe de belleza si le acompaña la música de ese compositor. Otra música lo convierte en divertido, pero Bethoven es diferente. Viendo la película, se puede llegar a la misma conclusión. Sí, el espectador. La secuencia en la que Alex se lía a mamporros con sus amigos mientras escuchamos la obertura de la Gazza Ladra de Rossini es, plásticamente, maravillosa. Ese es sólo un ejemplo. El mundo se distorsiona cuando la recepción de las cosas es distinta. Y eso es lo que le pasa a Alex.
10 dic 2010
El Resplandor
"Aquí esta johnny!."
Un matrimonio acepta encargarse del cuidado de un monumental hotel de montaña durante todo el invierno, se instalan con la única compañía de su introvertido hijo.
Un matrimonio acepta encargarse del cuidado de un monumental hotel de montaña durante todo el invierno, se instalan con la única compañía de su introvertido hijo.
Nosferatu, una sinfonía de horror (1922)
Un film de culto, un clásico entre clásicos. Cualquier cosa que se diga sobre esta obra maestra sin duda se queda corta para los amantes del cine de vampiros,
NO HAY NADA COMO LA OSCURIDAD Y EL MISTERIO DE NOSFERATU…
Obra clave del expresionimo alemán, "Nosferatu" es un clásico del cine de vampiros en el que queda grabada en la memoria el terrorífico Max Schreck, un ser esquelético de mirada sobrecogedora, uñas largas y orejas puntiagudas. No sólo pasa por ser uno de los films de terror más poéticos de todos los tiempos, es que además... ¡da verdadero miedo! Una verdadera sinfonía del horror.
FICHA TÉCNICA
AÑO: 1922
TITULO ORIGINAL: Nosferatu (Nosferatu, eine Symphonie des Grauens)
DURACIÓN: 91 min.
PAÍS: Alemania
DIRECTOR: F.W. Murnau
GUIÓN: Henrik Galeen
MÚSICA: Película muda
FOTOGRAFÍA: Fritz Arno Wagner (B&W)
REPARTO: Max Schreck, Alexander Granach, Gustav von Wangenheim, Greta Schröeder, GH Schnell, Ruth Landshoff, John Gottowt, Gustav Botz
PRODUCTORA: Prana-Film GmbH
GÉNERO: Terror | Vampiros. Siglo XIX. Cine mudo. Película de culto
SINOPSIS
Año 1838. En la ciudad de Wisborg viven felices el joven Hutter y su mujer Ellen, hasta que el oscuro agente inmobiliario Knock decide enviar a Hutter a Transilvania para cerrar un negocio con el conde Orlok. Se trata de la venta de una finca de Wisborg, que linda con la casa de Hutter. Durante el largo viaje, Hutter pernocta en una posada, donde ojea un viejo tratado sobre vampiros que encuentra en su habitación. Una vez en el castillo, es recibido por el siniestro conde. Al día siguiente, Hutter amanece con dos pequeñas marcas en el cuello, que interpreta como picaduras de mosquito. Una vez firmado el contrato, descubre que el conde es, en realidad, un vampiro. Al verle partir hacia su nuevo hogar, Hutter teme por Ellen.
Nota
"Nosferatu" fue una libre adaptación de la novela de Bram Stoker ”Drácula” a la que se cambió el nombre para no tener que pagar derechos de autor. La viuda de Stoker logró que se reconociese la autoría, y obtuvo una orden judicial para destruir los negativos y todas las copias de la película. Las copias distribuidas en el resto del mundo impidieron su total desaparición.
NO HAY NADA COMO LA OSCURIDAD Y EL MISTERIO DE NOSFERATU…
Obra clave del expresionimo alemán, "Nosferatu" es un clásico del cine de vampiros en el que queda grabada en la memoria el terrorífico Max Schreck, un ser esquelético de mirada sobrecogedora, uñas largas y orejas puntiagudas. No sólo pasa por ser uno de los films de terror más poéticos de todos los tiempos, es que además... ¡da verdadero miedo! Una verdadera sinfonía del horror.
FICHA TÉCNICA
AÑO: 1922
TITULO ORIGINAL: Nosferatu (Nosferatu, eine Symphonie des Grauens)
DURACIÓN: 91 min.
PAÍS: Alemania
DIRECTOR: F.W. Murnau
GUIÓN: Henrik Galeen
MÚSICA: Película muda
FOTOGRAFÍA: Fritz Arno Wagner (B&W)
REPARTO: Max Schreck, Alexander Granach, Gustav von Wangenheim, Greta Schröeder, GH Schnell, Ruth Landshoff, John Gottowt, Gustav Botz
PRODUCTORA: Prana-Film GmbH
GÉNERO: Terror | Vampiros. Siglo XIX. Cine mudo. Película de culto
SINOPSIS
Año 1838. En la ciudad de Wisborg viven felices el joven Hutter y su mujer Ellen, hasta que el oscuro agente inmobiliario Knock decide enviar a Hutter a Transilvania para cerrar un negocio con el conde Orlok. Se trata de la venta de una finca de Wisborg, que linda con la casa de Hutter. Durante el largo viaje, Hutter pernocta en una posada, donde ojea un viejo tratado sobre vampiros que encuentra en su habitación. Una vez en el castillo, es recibido por el siniestro conde. Al día siguiente, Hutter amanece con dos pequeñas marcas en el cuello, que interpreta como picaduras de mosquito. Una vez firmado el contrato, descubre que el conde es, en realidad, un vampiro. Al verle partir hacia su nuevo hogar, Hutter teme por Ellen.
Nota
"Nosferatu" fue una libre adaptación de la novela de Bram Stoker ”Drácula” a la que se cambió el nombre para no tener que pagar derechos de autor. La viuda de Stoker logró que se reconociese la autoría, y obtuvo una orden judicial para destruir los negativos y todas las copias de la película. Las copias distribuidas en el resto del mundo impidieron su total desaparición.
El Gabinete del Dr. Caligari 1920.
La obra maestra del Expresionismo alemán.
El Gabinete del Doctor Caligari (Das Kabinett des doctor Caligari) fue la película expresionista más famosa de su época. La película de Robert Wiene inauguraba todo un movimiento, que los franceses no tardaron en denominar “caligarismo”. El guión de la película fue obra de Hans Janowitz, un joven checo intoxicado por las películas de Paul WegenerCarl Meyer, un joven excéntrico austriaco marcado por una infancia durísima El Golem, El Estudiante de Praga y de y por los constantes exámenes mentales a los que fue sometido durante la guerra; ambos se basaron en un caso extraño de asesinato en Hamburgo.
Los dejamos con una gran película, que tiene muchos atractivos del punto de vista de lo que significó el movimiento expresionista, pero además que juega con las formas y perspectivas con un lenguaje formal que hasta el día de hoy no pierde su significado.
FICHA TÉCNICA
Título original: Das Cabinet des Dr. Caligari
Año: 1920
Duración: 71 min.
Origen: Alemania
Director: Robert Wiene
Guión: Hans Janowitz, Carl Mayer
Banda sonora: Giuseppe Becce
Reparto: Werner Krauss, Conrad Veidt, Friedrich Fehér, Lil Dagover, Hans Heinrich von Twardowski
SINOPSIS
El desquiciado Dr. Caligari y su fiel sonámbulo Cesare están vinculados con una serie de asesinatos en un pueblo de montaña alemán: Holstenwall. La mayor parte del argumento es presentado como un flashback. El narrador, Francis, y su amigo Alan visitan un carnaval en el pueblo donde ven al Dr. Caligari y al sonámbulo Cesare, a quien el doctor presenta como una atracción. Caligari se ufana de que Cesare puede contestar cualquier pregunta si es cuestionado. Cuando Alan le pregunta a Cesare cuándo tiempo le queda de vida, Cesare le responde que morirá antes del amanecer del día siguiente, una profecía que se cumple.
Francis, junto con su novia Jane, investigan a Caligari y a Cesare, lo que resulta finalmente en el secuestro de Jane por parte de Cesare. Caligari ordena a Cesare matar a Jane, pero el esclavo hipnotizado se niega después de que su belleza lo cautiva. Entonces, lleva a Jane fuera de su casa, llevando a los pueblerinos a una larga persecución. Durante esta cacería, Cesare tiene una caída mortal y los pobladores descubren que Caligari ha creado un muñeco de Cesare para distraer a Francis.
Francis descubre que Caligari es en realidad el director del hospital psiquiátrico local y, con la ayuda de sus colegas, descubre que está obsesionado con la historia de un monje llamado Caligari, quien en 1703 en el norte de Italia usó a un sonámbulo para asesinar personas. Tras ser confrontado con el difunto Cesare, Caligari revela su manía y es encerrado en su propio asilo.
El Gabinete del Doctor Caligari (Das Kabinett des doctor Caligari) fue la película expresionista más famosa de su época. La película de Robert Wiene inauguraba todo un movimiento, que los franceses no tardaron en denominar “caligarismo”. El guión de la película fue obra de Hans Janowitz, un joven checo intoxicado por las películas de Paul WegenerCarl Meyer, un joven excéntrico austriaco marcado por una infancia durísima El Golem, El Estudiante de Praga y de y por los constantes exámenes mentales a los que fue sometido durante la guerra; ambos se basaron en un caso extraño de asesinato en Hamburgo.
Los dejamos con una gran película, que tiene muchos atractivos del punto de vista de lo que significó el movimiento expresionista, pero además que juega con las formas y perspectivas con un lenguaje formal que hasta el día de hoy no pierde su significado.
FICHA TÉCNICA
Título original: Das Cabinet des Dr. Caligari
Año: 1920
Duración: 71 min.
Origen: Alemania
Director: Robert Wiene
Guión: Hans Janowitz, Carl Mayer
Banda sonora: Giuseppe Becce
Reparto: Werner Krauss, Conrad Veidt, Friedrich Fehér, Lil Dagover, Hans Heinrich von Twardowski
SINOPSIS
El desquiciado Dr. Caligari y su fiel sonámbulo Cesare están vinculados con una serie de asesinatos en un pueblo de montaña alemán: Holstenwall. La mayor parte del argumento es presentado como un flashback. El narrador, Francis, y su amigo Alan visitan un carnaval en el pueblo donde ven al Dr. Caligari y al sonámbulo Cesare, a quien el doctor presenta como una atracción. Caligari se ufana de que Cesare puede contestar cualquier pregunta si es cuestionado. Cuando Alan le pregunta a Cesare cuándo tiempo le queda de vida, Cesare le responde que morirá antes del amanecer del día siguiente, una profecía que se cumple.
Francis, junto con su novia Jane, investigan a Caligari y a Cesare, lo que resulta finalmente en el secuestro de Jane por parte de Cesare. Caligari ordena a Cesare matar a Jane, pero el esclavo hipnotizado se niega después de que su belleza lo cautiva. Entonces, lleva a Jane fuera de su casa, llevando a los pueblerinos a una larga persecución. Durante esta cacería, Cesare tiene una caída mortal y los pobladores descubren que Caligari ha creado un muñeco de Cesare para distraer a Francis.
Francis descubre que Caligari es en realidad el director del hospital psiquiátrico local y, con la ayuda de sus colegas, descubre que está obsesionado con la historia de un monje llamado Caligari, quien en 1703 en el norte de Italia usó a un sonámbulo para asesinar personas. Tras ser confrontado con el difunto Cesare, Caligari revela su manía y es encerrado en su propio asilo.
El cine mudo alemán
En 1916, Alemania estaba en guerra y de sus salas cinematográficas se eliminaba toda película, francesa, inglesa, o americana, por lo que apenas se abastecían de otro cine que el danés. El gobierno alemán resolvió este problema cinematográfico creando la UFA, una gran empresa de producción cinematográfica, ideada por el general Ludendorff, y apoyada por el Deutsche Bank y por las empresas Krupp y L G. Farben.
La UFA construyó Estudios y produjo películas, documentales y noticiarios que abastecieron las salas alemanas. El noticiario de UFA, alternando con el de la FOX, era el que se exhibía en los cines españoles después de la Guerra Civil y hasta la creación de NO-DO.
Los rectores de la UFA recibieron la consigna de realizar películas de propaganda y otras de carácter colosal con K, suena más alemán: kolosal e histórico; y el creador de ese género seudo-histórico fue ERNST LUBITSCH, llamado, con los años, a ser el padre de la gran comedia cinematográfica americana, de Bilder, Capra, Wyler y compañía.
Ernst Lubitsch, hijo de un modesto comerciante en paños, había abandonado el negocio familiar para dedicarse al teatro, en el que tuvo la fortuna de ser discípulo de uno de los más grandes, si no el mayor, director de teatro de todos los tiempos: Max Reinhardt. Sobre esa base, en 1913 comenzó a trabajar como actor cómico en el cine, y en 1915, como director de varias comedias interpretadas por la actriz Ossi Oswalda. En 1918, dirigió a Pola Negri en Los ojos de la momia y en Carmen. Un año después inició su ciclo seudo-histórico con una película antifrancesa, Madatne Du Barry), en la que se ofrece una negra visión de la Revolución de 1789, para proseguirlo con una sátira antiamericana La princesa de las ostras (1919), una película antibritánica, Ana Bolena, (1920), otra de corte oriental, Una noche en
Arabia )1920) y otra falsamente egipcia, La mujer del faraón (1921). Pese a haberse convertido en el más importante director de la cinematografía germana, en 1923 emigró a Hollywood, donde hizo películas tan inolvidables como su antisoviética Ninotchka (1939) o la antinazi Ser o no ser (1942) Murió en 1947.
Pero no fueron las superproducciones de Lubitsch y sus imitadores las que dieron fama imperecedera al cine alemán de la época, sino el nacimiento y desarrollo de una modalidad artística, el expresionismo, que asombró al mundo en su momento, influyó notablemente en la cinematografía posterior, y sigue siendo un estilo de obligado estudio para todos los amantes del arte y, en nuestro caso concreto, del cine.
EL EXPRESIONISMO CINEMATOGRÁFICO
El expresionismo, que tuvo su origen en los últimos años del siglo XIX, y su auge en los primeros del XX, fue una corriente artística que intentaba expresar los sentimientos y las emociones del creador ante un hecho u objeto de cualquier naturaleza y no la representación objetiva de la realidad.
De una forma latente, el expresionismo había estado presente en muchas de las creaciones culturales anteriores: la pintura china y japonesa, la de los pintores europeos del Medioevo, la de los manieristas del siglo XVI, y, como precursores inmediatos, el holandés Vincent van Gogh, el francés Paul Gauguin o el noruego Edvard Munich se antiiparon en poco, temporalmente, al grupo de pintores alemanes que, en 1905, fundaron en Dresde el grupo Die Brücke, El puente, que se disolvió en 1913.
Una nueva fase del expresionismo lo constituyó la llamada “Nueva objetividad”, fruto directo de la derrota en la Gran Guerra, la Primera Guerra Mundial, en raro contraste con ese mismo expresionismo, que triunfaba en el mundo entero y durante tanto tiempo que el expresionismo abstracto no surgió en Estados Unidos hasta después de la Segunda Guerra Mundial.
En el campo de la literatura, tanto teatro como novela, las corrientes expresionistas respondieron a las mismas características que e la pintura: personajes, emociones y ambientes distorsionados para crear un cuadro escénico o novelístico que llevase a paroxismo el impacto emocional sobre el lector o el público; características que están presentes, en mayor o menor medida, en autores como Franz Kafka, August Strindberg, Karel Čapek, O’Neill o Elmer Rice, y entre directores de teatro tan eminentes como Max Reinhardt , Erwin Piscator, o Vsiévolod Meyerhold.
Y otro tanto ocurrió en la música, en la que el expresionismo alcanzó su cumbre en el periodo de entreguerras, expresando las ansiedades, los terrores y el descreimiento en todo de la sociedad de aquellos años. Con precedentes en autores románticos, como Richard Wagner, o posrománticos, como Gustav Mahler, los mejores ejemplos expresionistas se encuentran en las creaciones de Richard Strauss Elektra (1909), y Salomé (1905), Arnold Schönberg Erwartung (1909) y Die glückliche Hand (1913), Alban Berg Lulú (1921), y las de Paul Hindemith, Béla Bartók, o Serguéi Prokófiev.
Al igual que en pintura, escultura, teatro, novela y música, el expresionismo halló en el cine alemán un campo abonado para alcanzar su mejor expresión. En su nacimiento, desarrollo y decadencia, cabe diferenciar tres líneas fundamentales:
El gabinete del Dr. Caligari 1920.
Nosferatu, una sinfonía del horror 1922.
‘El Gabinete del Dr. Caligari’, de Robert Wiene supone la inauguración del expresionismo alemán, movimiento al que pertenecieron también ‘El Golem’ (1920), ‘Nosferatu’ (1922) y por supuesto ‘Metrópolis’ (1927) de Fritz Lang.
• EL EXPRESIONISMO CINEMATOGRÁFICO PROPIAMENTE DICHO
En 1917 se creó la UFA, que, al tiempo que las películas seudohistóricas de Ernst Lubitsch e imitadores, impulsó el expresionismo cinematográfico con películas como El Golem, de Paul Wegener y Henrik Galeen, que cuenta la historia de un autómata que se rebela contra su creador, Homunculus, de Otto Rippert, que anticipa los horrores del nazismo, o El estudiante de Praga, del danés Stellan Rye, todas ellas simples precursoras de la película cumbre del expresionismo cinematográfico: El Gabinete del Doctor Caligari (1919), de Robert Wiene, un director mediocre que ha pasado a la historia del cine porque tuvo la fortuna de dirigir, sin demasiado acierto, un guión excepcional del hombre más importante del expresionismo cinematográfico: el guionista CARL MAYER, quien redactó el de El Gabinete a partir de una idea del poeta Hans Janovitz.
• EL NUEVO OBJETIVISMO
Entre 1921 y 1925, el cine expresionista evolucionó hacía una forma de realismo a la que se llamó Nuevo Objetivismo Neue Sachlichkeit, en alemán y hacia el llamado Cine de Cámara, buscando una estilo de realismo que no rompiese con el expresionismo, ni cayese en los radicalismos vanguardistas de Hans Richter y Walter Ruttman, quienes se adentraban en el abstracto mediante el uso de figuras geométricas en movimiento.
El mejor representante de esta tendencia fue Joe May, con Retorno al hogar, película que narra la historia de un soldado que vuelve de Siberia, donde ha estado prisionero, para hallarse a su mujer en brazos de otro hombre, y Asfalto, que narra un sucio y violento asesinato en los barrios bajos. A su lado, cabe citar Bajo la máscara del placer (1925), de G.W.Pabst director de un maravilloso Don Quijote, en la que se destaca el contraste entre el lujo y la miseria.
• EL CINE DE CÁMARA
En un tiempo casi coincidente con el Nuevo Objetivismo, y persiguiendo los mismos fines, el Cine de Cámara, que también intenta reflejar y magnificar la realidad, se centra en la sicología de los personajes y la atmósfera en que se mueven, en el Stimmung, la atmósfera cargada, característica fundamental del Cine de Cámara, emparentado en esto con la cinematografías danesa y sueca, que tanto éxito habían tenido y seguían teniendo en la Alemania de aquellos años. En este estilo de cine:
• Se rechaza cualquier acción superflua que no tenga que ver con los sentimientos del personaje, y estos surgen violentamente para conducirlo a un final trágico.
• Los temas son siempre aparentemente cotidianos, normales, cercanos a la vida real.
• Los personajes suelen ser monolíticos y estar recluidos en un ambiente opresivo, proclive a los estallidos emocionales violentos.
• Se da mucha importancia a la sicología del personaje, siempre ligada a su condición social.
• El lenguaje cinematográfico empleado es innovador: Primeros planos, composición expresionista, interpretaciones sobreactuadas, etc.
• El estilo de la iluminación es el claroscuro.
• La acción es lineal, lenta y no se utilizan rótulos.
• Se tiende a usar la unidad de tiempo teatral: 24 horas.
La mejor película de Cine de Cámara, la mejor película de todo el cine alemán de la época, expresionista o no, y una de las mejores de todos los tiempos es El Último (1924), dirigida por Friedrich Murnau sobre guión de Carl Mayer.
CARACTERÍSTICAS DEL EXPRESIONISMO ALEMÁN
• El expresionismo cinematográfico se apoyó fundamentalmente en los dos elementos, decoración e iluminación, más cercanos a la pintura. Iluminadores geniales en ese estilo fueron Karl Freund, Carl Hoffman y Eugen Schuftan, y decoradores de no menor mérito, el pintor Reimann y el arquitecto Warn que diseñaron los decorados de El Gabinete del Doctor Caligari, por ejemplo.
• El expresionismo cinematográfico situaba a la cámara en la posición de un espectador teatral, y ello hace que permanezca inmóvil dentro de cada toma.
• Por su misma vocación teatral, los actores actúan de forma tan exagerada que se aproxima a la pantomima.
• Sus guiones suelen estar estructurados de forma que el prólogo y el epílogo se eviten problemas con la censura de la época. El Gabinete es el mejor ejemplo, convirtiendo toda la historia en la fantasía de un loco. En El último, un final feliz construido artificialmente por medio de un deus ex machina, elimina el agrio sabor de su terrible censura social.
• Personajes como Caligari, Nosferatu, o El Golem, crean una tipología que se hará clásica en el cine de terror.
SU INFLUENCIA
• Casi todo el alemán de las épocas posteriores: Fausto, de Murnau, Los Nibelungos, de Lang, o El ángel azul, de Sternberg.
• Las mejores muestras del cine norteamericano de los treinta: Ciudadano Kane, de Welles.
• El cine sueco de la época sonora: El rostro, y otras muchas películas de Bergman.
• Algnas películas rusas, como Ivvan el terrible, de Eisenstein.
• El cine francés de Marcel Carné: El muelle de las brumas.
Dos nombres de directores destacan entre todos en la etapa muda del cine alemán, diajando a un lado, por no ser director sino guionista, el más importante de todos los nombres del cine alemán de la etapa nuda. Y puede que de toda su historia: CARL MAYER
FRIEDRICH W. MURNAU
Friedrich W. Murnau (1888-1931), influido por las escuelas sueca y danesa y por su amistad con el pintor expresionista Franz Marc. Introdujo muchas innovaciones de lenguaje, como la de dotar de una libertad a la cámara inimaginable en la época, su maravilloso plano de transición a la noche y al amanecer en El último. En Nosferatu, el Vampiro (1922) y en Sinfonía del horror mezcló realismo y fantasía, el mal y el bien, el amor y la muerte. Y fue, sobre todo, el director de El Ultimo, la historia de un portero de hotel que interpreta, al gusto de la época, por Emil Jannings, y que marca la transición del expresionismo puro al realismo social. Una historia profunda que Mayer y Murnau aciertan a contar sin un solo rótulo no incorporado a la acción: la carta de despido, la felicitación en el pastel de boda, y la noticia en el periódico son los únicos textos. Otras de sus grandes películas fueron Amanecer y Fausto (1926).
FRITZ LANG
Fritz Lang nació en Viena, en 1890, y allí cursó estudios de arquitectura, pero muy pronto se fue a vivir y trabajar a Alemania, y después a Francia, donde estudió pintura, a tiempo que realizaba viajes por China, Japón, Rusia, El Oriente Próximo o el Norte de África, trabajando como corresponsal de prensa.
Combatió en la Primera Guerra Mundial, en la que fue herido y condecorado. Convaleciente, descubrió la pasión del cine, llevado a ella por su mujer, Thea Von Harbou, colaboradora suya en muchas películas.
Tras dirigir El mestizo, un productor importante, Pommer, le introduce en el gusto por el expresionismo, lo que lleva a Lang a desarrollar historias que saquen a luz la angustia del hombre oprimido por la sociedad y a reforzar esta idea con los recursos típicos del expresionismo: decorados, interpretación teatral, y una iluminación a cargo de Karl Freund.
Por influencia del cine norteamericano de la época, hace que la acción quede supeditada a las necesidades narrativas típicas de las películas de persecuciones”. Sus recuerdos de los países exóticos le llevan a hacer películas como Las tres luces (Der Müde Tod) (1921), pero la contemplación de El Gabinete del doctor Caligari le acerca al expresionismo e influye notablemente en la concepción del personaje central de mejor película, El doctor Mabuse (1922), en la que se narra una historia que nada tiene que ver con la de El Gabinete del doctor Caligari.
Al margen de El doctor Mabuse, sus películas más importantes son Metrópolis (1926), y la espectacular Los Nibelungos (1925), proyectada en dos partes: La muerte de Sigfrido y La venganza de Krimilda.
Tras la llegada de Hitler al poder, Fritz Lang emigró a EEUU al ver prohibida por la censura El Doctor Mabuse. Allí hizo alguna película de cierto mérito, como Furia, pero cuando regresó a Alemania, al firmarse la paz, solo acertó a hacer películas de aventuras, como El tigre de Esnapur.
LA DECADENCIA DEL CINE MUDO ALEMÁN
A partir de 1928, con la llegada del sonoro, el expresionismo pierde toda su fuerza. Una serie de razones obligan a ello: La sobreactuación expresionista pierde toda importancia ante la fuerza de la palabra; el realismo gana terreno, tanto por la incorporación de la palabra como por la llegada del color y la mejoría en la calidad de la imagen; y Goebbels, ministro de propaganda de Hitler, ordena hacer un cine claramente propagandístico de las ideas nacionalsocialistas.
La UFA construyó Estudios y produjo películas, documentales y noticiarios que abastecieron las salas alemanas. El noticiario de UFA, alternando con el de la FOX, era el que se exhibía en los cines españoles después de la Guerra Civil y hasta la creación de NO-DO.
Los rectores de la UFA recibieron la consigna de realizar películas de propaganda y otras de carácter colosal con K, suena más alemán: kolosal e histórico; y el creador de ese género seudo-histórico fue ERNST LUBITSCH, llamado, con los años, a ser el padre de la gran comedia cinematográfica americana, de Bilder, Capra, Wyler y compañía.
Ernst Lubitsch, hijo de un modesto comerciante en paños, había abandonado el negocio familiar para dedicarse al teatro, en el que tuvo la fortuna de ser discípulo de uno de los más grandes, si no el mayor, director de teatro de todos los tiempos: Max Reinhardt. Sobre esa base, en 1913 comenzó a trabajar como actor cómico en el cine, y en 1915, como director de varias comedias interpretadas por la actriz Ossi Oswalda. En 1918, dirigió a Pola Negri en Los ojos de la momia y en Carmen. Un año después inició su ciclo seudo-histórico con una película antifrancesa, Madatne Du Barry), en la que se ofrece una negra visión de la Revolución de 1789, para proseguirlo con una sátira antiamericana La princesa de las ostras (1919), una película antibritánica, Ana Bolena, (1920), otra de corte oriental, Una noche en
Arabia )1920) y otra falsamente egipcia, La mujer del faraón (1921). Pese a haberse convertido en el más importante director de la cinematografía germana, en 1923 emigró a Hollywood, donde hizo películas tan inolvidables como su antisoviética Ninotchka (1939) o la antinazi Ser o no ser (1942) Murió en 1947.
Pero no fueron las superproducciones de Lubitsch y sus imitadores las que dieron fama imperecedera al cine alemán de la época, sino el nacimiento y desarrollo de una modalidad artística, el expresionismo, que asombró al mundo en su momento, influyó notablemente en la cinematografía posterior, y sigue siendo un estilo de obligado estudio para todos los amantes del arte y, en nuestro caso concreto, del cine.
EL EXPRESIONISMO CINEMATOGRÁFICO
El expresionismo, que tuvo su origen en los últimos años del siglo XIX, y su auge en los primeros del XX, fue una corriente artística que intentaba expresar los sentimientos y las emociones del creador ante un hecho u objeto de cualquier naturaleza y no la representación objetiva de la realidad.
De una forma latente, el expresionismo había estado presente en muchas de las creaciones culturales anteriores: la pintura china y japonesa, la de los pintores europeos del Medioevo, la de los manieristas del siglo XVI, y, como precursores inmediatos, el holandés Vincent van Gogh, el francés Paul Gauguin o el noruego Edvard Munich se antiiparon en poco, temporalmente, al grupo de pintores alemanes que, en 1905, fundaron en Dresde el grupo Die Brücke, El puente, que se disolvió en 1913.
Una nueva fase del expresionismo lo constituyó la llamada “Nueva objetividad”, fruto directo de la derrota en la Gran Guerra, la Primera Guerra Mundial, en raro contraste con ese mismo expresionismo, que triunfaba en el mundo entero y durante tanto tiempo que el expresionismo abstracto no surgió en Estados Unidos hasta después de la Segunda Guerra Mundial.
En el campo de la literatura, tanto teatro como novela, las corrientes expresionistas respondieron a las mismas características que e la pintura: personajes, emociones y ambientes distorsionados para crear un cuadro escénico o novelístico que llevase a paroxismo el impacto emocional sobre el lector o el público; características que están presentes, en mayor o menor medida, en autores como Franz Kafka, August Strindberg, Karel Čapek, O’Neill o Elmer Rice, y entre directores de teatro tan eminentes como Max Reinhardt , Erwin Piscator, o Vsiévolod Meyerhold.
Y otro tanto ocurrió en la música, en la que el expresionismo alcanzó su cumbre en el periodo de entreguerras, expresando las ansiedades, los terrores y el descreimiento en todo de la sociedad de aquellos años. Con precedentes en autores románticos, como Richard Wagner, o posrománticos, como Gustav Mahler, los mejores ejemplos expresionistas se encuentran en las creaciones de Richard Strauss Elektra (1909), y Salomé (1905), Arnold Schönberg Erwartung (1909) y Die glückliche Hand (1913), Alban Berg Lulú (1921), y las de Paul Hindemith, Béla Bartók, o Serguéi Prokófiev.
Al igual que en pintura, escultura, teatro, novela y música, el expresionismo halló en el cine alemán un campo abonado para alcanzar su mejor expresión. En su nacimiento, desarrollo y decadencia, cabe diferenciar tres líneas fundamentales:
El gabinete del Dr. Caligari 1920.
Nosferatu, una sinfonía del horror 1922.
‘El Gabinete del Dr. Caligari’, de Robert Wiene supone la inauguración del expresionismo alemán, movimiento al que pertenecieron también ‘El Golem’ (1920), ‘Nosferatu’ (1922) y por supuesto ‘Metrópolis’ (1927) de Fritz Lang.
• EL EXPRESIONISMO CINEMATOGRÁFICO PROPIAMENTE DICHO
En 1917 se creó la UFA, que, al tiempo que las películas seudohistóricas de Ernst Lubitsch e imitadores, impulsó el expresionismo cinematográfico con películas como El Golem, de Paul Wegener y Henrik Galeen, que cuenta la historia de un autómata que se rebela contra su creador, Homunculus, de Otto Rippert, que anticipa los horrores del nazismo, o El estudiante de Praga, del danés Stellan Rye, todas ellas simples precursoras de la película cumbre del expresionismo cinematográfico: El Gabinete del Doctor Caligari (1919), de Robert Wiene, un director mediocre que ha pasado a la historia del cine porque tuvo la fortuna de dirigir, sin demasiado acierto, un guión excepcional del hombre más importante del expresionismo cinematográfico: el guionista CARL MAYER, quien redactó el de El Gabinete a partir de una idea del poeta Hans Janovitz.
• EL NUEVO OBJETIVISMO
Entre 1921 y 1925, el cine expresionista evolucionó hacía una forma de realismo a la que se llamó Nuevo Objetivismo Neue Sachlichkeit, en alemán y hacia el llamado Cine de Cámara, buscando una estilo de realismo que no rompiese con el expresionismo, ni cayese en los radicalismos vanguardistas de Hans Richter y Walter Ruttman, quienes se adentraban en el abstracto mediante el uso de figuras geométricas en movimiento.
El mejor representante de esta tendencia fue Joe May, con Retorno al hogar, película que narra la historia de un soldado que vuelve de Siberia, donde ha estado prisionero, para hallarse a su mujer en brazos de otro hombre, y Asfalto, que narra un sucio y violento asesinato en los barrios bajos. A su lado, cabe citar Bajo la máscara del placer (1925), de G.W.Pabst director de un maravilloso Don Quijote, en la que se destaca el contraste entre el lujo y la miseria.
• EL CINE DE CÁMARA
En un tiempo casi coincidente con el Nuevo Objetivismo, y persiguiendo los mismos fines, el Cine de Cámara, que también intenta reflejar y magnificar la realidad, se centra en la sicología de los personajes y la atmósfera en que se mueven, en el Stimmung, la atmósfera cargada, característica fundamental del Cine de Cámara, emparentado en esto con la cinematografías danesa y sueca, que tanto éxito habían tenido y seguían teniendo en la Alemania de aquellos años. En este estilo de cine:
• Se rechaza cualquier acción superflua que no tenga que ver con los sentimientos del personaje, y estos surgen violentamente para conducirlo a un final trágico.
• Los temas son siempre aparentemente cotidianos, normales, cercanos a la vida real.
• Los personajes suelen ser monolíticos y estar recluidos en un ambiente opresivo, proclive a los estallidos emocionales violentos.
• Se da mucha importancia a la sicología del personaje, siempre ligada a su condición social.
• El lenguaje cinematográfico empleado es innovador: Primeros planos, composición expresionista, interpretaciones sobreactuadas, etc.
• El estilo de la iluminación es el claroscuro.
• La acción es lineal, lenta y no se utilizan rótulos.
• Se tiende a usar la unidad de tiempo teatral: 24 horas.
La mejor película de Cine de Cámara, la mejor película de todo el cine alemán de la época, expresionista o no, y una de las mejores de todos los tiempos es El Último (1924), dirigida por Friedrich Murnau sobre guión de Carl Mayer.
CARACTERÍSTICAS DEL EXPRESIONISMO ALEMÁN
• El expresionismo cinematográfico se apoyó fundamentalmente en los dos elementos, decoración e iluminación, más cercanos a la pintura. Iluminadores geniales en ese estilo fueron Karl Freund, Carl Hoffman y Eugen Schuftan, y decoradores de no menor mérito, el pintor Reimann y el arquitecto Warn que diseñaron los decorados de El Gabinete del Doctor Caligari, por ejemplo.
• El expresionismo cinematográfico situaba a la cámara en la posición de un espectador teatral, y ello hace que permanezca inmóvil dentro de cada toma.
• Por su misma vocación teatral, los actores actúan de forma tan exagerada que se aproxima a la pantomima.
• Sus guiones suelen estar estructurados de forma que el prólogo y el epílogo se eviten problemas con la censura de la época. El Gabinete es el mejor ejemplo, convirtiendo toda la historia en la fantasía de un loco. En El último, un final feliz construido artificialmente por medio de un deus ex machina, elimina el agrio sabor de su terrible censura social.
• Personajes como Caligari, Nosferatu, o El Golem, crean una tipología que se hará clásica en el cine de terror.
SU INFLUENCIA
• Casi todo el alemán de las épocas posteriores: Fausto, de Murnau, Los Nibelungos, de Lang, o El ángel azul, de Sternberg.
• Las mejores muestras del cine norteamericano de los treinta: Ciudadano Kane, de Welles.
• El cine sueco de la época sonora: El rostro, y otras muchas películas de Bergman.
• Algnas películas rusas, como Ivvan el terrible, de Eisenstein.
• El cine francés de Marcel Carné: El muelle de las brumas.
Dos nombres de directores destacan entre todos en la etapa muda del cine alemán, diajando a un lado, por no ser director sino guionista, el más importante de todos los nombres del cine alemán de la etapa nuda. Y puede que de toda su historia: CARL MAYER
FRIEDRICH W. MURNAU
Friedrich W. Murnau (1888-1931), influido por las escuelas sueca y danesa y por su amistad con el pintor expresionista Franz Marc. Introdujo muchas innovaciones de lenguaje, como la de dotar de una libertad a la cámara inimaginable en la época, su maravilloso plano de transición a la noche y al amanecer en El último. En Nosferatu, el Vampiro (1922) y en Sinfonía del horror mezcló realismo y fantasía, el mal y el bien, el amor y la muerte. Y fue, sobre todo, el director de El Ultimo, la historia de un portero de hotel que interpreta, al gusto de la época, por Emil Jannings, y que marca la transición del expresionismo puro al realismo social. Una historia profunda que Mayer y Murnau aciertan a contar sin un solo rótulo no incorporado a la acción: la carta de despido, la felicitación en el pastel de boda, y la noticia en el periódico son los únicos textos. Otras de sus grandes películas fueron Amanecer y Fausto (1926).
FRITZ LANG
Fritz Lang nació en Viena, en 1890, y allí cursó estudios de arquitectura, pero muy pronto se fue a vivir y trabajar a Alemania, y después a Francia, donde estudió pintura, a tiempo que realizaba viajes por China, Japón, Rusia, El Oriente Próximo o el Norte de África, trabajando como corresponsal de prensa.
Combatió en la Primera Guerra Mundial, en la que fue herido y condecorado. Convaleciente, descubrió la pasión del cine, llevado a ella por su mujer, Thea Von Harbou, colaboradora suya en muchas películas.
Tras dirigir El mestizo, un productor importante, Pommer, le introduce en el gusto por el expresionismo, lo que lleva a Lang a desarrollar historias que saquen a luz la angustia del hombre oprimido por la sociedad y a reforzar esta idea con los recursos típicos del expresionismo: decorados, interpretación teatral, y una iluminación a cargo de Karl Freund.
Por influencia del cine norteamericano de la época, hace que la acción quede supeditada a las necesidades narrativas típicas de las películas de persecuciones”. Sus recuerdos de los países exóticos le llevan a hacer películas como Las tres luces (Der Müde Tod) (1921), pero la contemplación de El Gabinete del doctor Caligari le acerca al expresionismo e influye notablemente en la concepción del personaje central de mejor película, El doctor Mabuse (1922), en la que se narra una historia que nada tiene que ver con la de El Gabinete del doctor Caligari.
Al margen de El doctor Mabuse, sus películas más importantes son Metrópolis (1926), y la espectacular Los Nibelungos (1925), proyectada en dos partes: La muerte de Sigfrido y La venganza de Krimilda.
Tras la llegada de Hitler al poder, Fritz Lang emigró a EEUU al ver prohibida por la censura El Doctor Mabuse. Allí hizo alguna película de cierto mérito, como Furia, pero cuando regresó a Alemania, al firmarse la paz, solo acertó a hacer películas de aventuras, como El tigre de Esnapur.
LA DECADENCIA DEL CINE MUDO ALEMÁN
A partir de 1928, con la llegada del sonoro, el expresionismo pierde toda su fuerza. Una serie de razones obligan a ello: La sobreactuación expresionista pierde toda importancia ante la fuerza de la palabra; el realismo gana terreno, tanto por la incorporación de la palabra como por la llegada del color y la mejoría en la calidad de la imagen; y Goebbels, ministro de propaganda de Hitler, ordena hacer un cine claramente propagandístico de las ideas nacionalsocialistas.
9 dic 2010
¡Olor a Karne Kemada!
11 de Junio de 1963 - Thich Quang Duc, un monje budista de Vietnam del Sur se prende fuego a si mismo causándose la muerte como protesta contra la manera en la que la administración del Primer Ministro Ngô Ðình Diêm oprimía la religión Budista en su país.
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